10 diseñadores y marcas que redefinieron la moda camp

Para conmemorar la exhibición Met Gala de este año, ' Campamento: Notas sobre la moda ,' ellos. está publicando una serie de artículos que celebran y exploran todo lo relacionado con el campamento. Consulte el resto aquí .

No es ningún secreto que la moda es un vehículo perfecto para el campamento. Su facilidad de uso a menudo agrega una capa adicional de ironía a un atuendo irónico, nostálgico, cómico, exagerado o glamoroso, que se manifiesta en gloriosos excesos como plumas y flecos o logotipos extravagantes o recuerdos de décadas pasadas. Está en todas partes, desde los diseños de la década de 1930 de Elsa Schaparelli que emplean rasgaduras de trampantojo hasta el pequeño vestido negro de Virgil Abloh estampado con una gran etiqueta blanca de Little Black Dress, y muchos otros lugares intermedios.

La extravagancia de la moda, como el campamento en sí mismo, puede ser un comentario sobre los tiempos, fomentando el escapismo y la fantasía cuando los usuarios más lo necesitan. Es en ese sentido que el Met Gala’s Camp: Notas sobre la exhibición de moda es más relevante, una rebelión claramente queer contra fuerzas externas que de otro modo serían opresivas. ¿Y qué mejor manera de desatar semejante rebelión que con el propio cuerpo? Después de todo, tan famoso New York Times fotógrafo de estilo callejero Bill Cunningham Una vez dicho , La moda es la armadura para sobrevivir a la realidad de la vida cotidiana.

Varios diseñadores a lo largo de las décadas se han dado a conocer por la forma en que su trabajo emplea la moda camp o incluso la moda camp. Aquí, ellos. echa un vistazo a algunos de estos maestros de la forma y la expresión camp, desde la década de 1920 hasta la actualidad.

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La actriz estadounidense de origen húngaro Zsa Zsa Gabor aparece en la película 'Moulin Rouge', 1952. Lleva un vestido diseñado por Elsa Schiaparelli.Fotos de archivo/imágenes falsas

Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli abrió su primer estudio en 1927 y poco después se hizo conocida por su ingenio subversivo y estilo caprichoso. Su trabajo se expandió para incluir colaboraciones con famosos surrealistas como Salvador Dalí, Leonor Fini, Man Ray y Jean Cocteau. Desde vestidos estampados con notas musicales hasta sombreros diseñados para parecerse a zapatos al revés, y vestidos con rasgaduras trompe l'oeil o detallados para parecerse a esqueletos, casi no hay ningún lugar al que Schiaparelli no iría. También era conocida por su impactante rosa, un tono de rosa fuerte intenso que incorporó a sus diseños que se convertiría en su firma. Para Schiaparelli, había un gran placer en el artificio, en lo extraño y en el humor que hace de su trabajo la base de la moda camp. Aunque Schiaparelli se retiró en 1954, la marca ha resucitado muchas veces, manteniendo al mismo tiempo su sensibilidad característica. En los últimos años la marca ha preparado colecciones de alta costura, cuyos diseños lucieron Linda Cardellini y Helen Mirren en la ceremonia de los Oscar 2019.

La cantante y actriz Cher posa para una sesión de moda en una creación de Bob Mackie el 9 de abril de 1978 en Los Ángeles, California; La cantante y actriz Cher posa para una sesión de fotos con una blusa Bob Mackie el 21 de marzo de 1977 en Los Ángeles, California.Harry Langdon/imágenes falsas

Bob Mackie

Bob Mackie comenzó como diseñador de vestuario en la década de 1960, diseñando conjuntos de teatro y pantalla para artistas como Judy Garland y Mitzi Gaynor. Más tarde diseñó para el famoso programa de televisión homónimo de Carol Burnett, lo que lo llevó a trabajar con Cher, Elton John, Tina Turner, Liza Minnelli, Diana Ross y muchos otros. Con cuentas, lentejuelas, plumas y destellos, sus diseños se convirtieron en una estrella propia, como el famoso vestido desnudo de Cher que usó en la Met Gala de 1974 y el conjunto del Pato Donald de Elton John en un concierto en el Central Park de Nueva York. En las décadas de 1980 y 1990 e incluso durante un tiempo en la década de 2000, trajo sus looks exquisitamente exagerados a las pasarelas de Nueva York con ropa lista para usar que glorificaba el Hollywood vintage, celebraba la moda mundial y se deleitaba con el futurismo. Sus pasarelas fueron considerado sensacionales y espectaculares, modelos que no solo usan ropa sino que interpretan personajes en ella. Si bien las lentejuelas exclusivas de Mackie nunca se quedaron atrás, el diseñador también centró su atención en looks coloridos y fáciles de usar para el día con sentido del humor. En su deliciosa entrega a los excesos y al glamour que además conserva su sentido del humor, su obra es definitivamente camp.

'Rei Kawakubo/Comme des Garcons: Art Of The In-Between' Costume Institute Gala Press Preview en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2017 en la ciudad de Nueva York.Imágenes de George Pimentel/Getty

Rei Kawakubo

Rei Kawakubo ha sido aclamada durante mucho tiempo como diseñadora de antimoda. Comenzó su línea legendaria Comme des Garçons en 1969 como una rebelión contra lo que sentía que era la naturaleza incómoda y reveladora de algunas prendas de mujer, prefiriendo en cambio hacer prendas que se usaran como los niños. A lo largo de los años, la visión de Kawakubo se expandió a piezas conceptuales que desafiaron y continúan desafiando el diseño de moda tradicional. En su exageración y exageración, las siluetas deliberadamente deformadas en proporciones sobredimensionadas y embellecidas hasta el exceso intencional, la ropa de Kawakubo se convirtió en árbitros del campamento. Su colección Otoño/Invierno 2018 incluso se tituló Comme des Garçons Camp, con sus modelos convertidas en flores o luciendo vestidos de gala deconstruidos rebosantes de volantes, lentejuelas y lamé. Kawakubo fue el tema de su propia Met Gala hace dos años, cuando el Met's Costume Institute montó su exhibición. Rei Kawakubo/Comme des Garçons: El arte del intermedio .

Linda Evangelista desfila Anna Sui RTW Primavera 1996 Pasarela colección; Naomi Campbell desfila en la colección de pasarela Otoño 1996 de Anna Sui RTW; Kirsty Hume modelando el traje de Anna SuiGuy Marineau/Condé Nast vía Getty Images; Guy Marineau/Condé Nast vía Getty Images; Michel Arnaud/CORBIS/Corbis vía Getty Images

Ana Sui

Los diseños de Anna Sui han tenido bases de nostalgia y excentricidad en su núcleo desde que comenzó a diseñar a principios de la década de 1970, cuando canalizó sus experiencias en la escena de clubes del centro de Nueva York, pero decadente, en plumas, flores y patrones en abundancia. Su trabajo evita la seriedad de la carrera de tendencias y, en cambio, adopta un espíritu alegre de rock and roll, sin mencionar una multitud de inspiraciones de la historia cultural, ya sea la duquesa de Windsor, Anna May Wong, las pinturas de Margaret Keane, o incluso Dave Navarro (famoso por llevar una camisola de encaje en la pista de su desfile de primavera de 1997). La ropa dice mucho sobre una persona, es un vocabulario en sí mismo, Sui. dicho en 2010. Puedes crear una fantasía o una imagen completa solo con la forma en que te juntas. Esa creación de la fantasía, un factor profundamente arraigado en el espíritu camp, sigue vivo y bien en su trabajo ahora.

6.º Proyecto Anual de Amigos del SIDA de la Industria de la Moda de California Beneficio de Los Ángeles en honor a Thierry Mugler - 23 de abril de 1992; Lady Miss Kier, cantante del grupo electrónico Deee-Lite, lleva un minivestido peludo decorado con un rostro caricaturesco del diseñador de moda alemán Thierry Mugler. Modeló el atuendo durante su desfile de moda otoño-invierno 1991-1992 en París; Desfile de Thierry Mugler en octubre de 1982 en París, FranciaRon Galella/WireImage; Pierre Vauthey/Sygma/Corbis vía Getty Images; Daniel SIMON/Gamma-Rapho vía Getty Images

Thierry Mugler

Hacer una lista como esta y no incluir a Thierry Mugler sería una completa blasfemia. Si bien la marca asumió nuevos directores creativos en los últimos años, las colecciones de Mugler de las décadas de 1980 y 1990 siguen estando no solo en el canon de la alta costura sino también en el campo de la moda. Sus pasarelas de estas épocas no eran tanto espectáculos como espectáculos, completos con estrellas porno, drag queens y todas las supermodelos imaginables. Si realmente quieres recuperar tu vida, puedes ver su desfile de alta costura de otoño de 1995. aquí en YouTube, con Kate, Veruschka, Naomi, Carmen Dell'Orefice, Linda Evangelista, Jerry Hall y un grupo de celebridades (¡¡Julie Newmar!!) en trajes fembot de metal, faldas de neón estructuradas como linternas de papel gigantes, trajes de leopardo con un gigante, cola de pavo real de leopardo, tocados de plumas altísimos, trajes brillantes con corsé y el conjunto Nacimiento de Venus Cardi B recientemente llevó a los Grammys. La definición viva de extra , las visiones decadentes de Mugler, usadas por todos, desde David Bowie hasta Miley Cyrus, continúan inspirando audacia y creatividad.

En el centro de la pasarela dos modelos presentan la colección de invierno de Moschino; el diseñador italiano ha diseñado recientemente la nueva línea Moschino jeans. Milán (Italia), 1986.Nino Leto/Mondadori Portfolio via Getty Images

moschino

Desarrollada bajo la mirada de Franco Moschino en 1983, la línea del mismo nombre del diseñador se convirtió rápidamente en sinónimo de una irreverencia y un humor extravagantes que siguen siendo llevados hoy por el director creativo Jeremy Scott. Moschino dirigió su marca hasta su muerte en 1994, fuertemente influenciado por el surrealismo al igual que Schiaparelli. En esos 11 cortos años, envió todo tipo de creaciones alocadas por sus pasarelas, como faldas de cuero decoradas con huevos fritos y una camisa de vestir de hombre con mangas largas atada como una camisa de fuerza con las palabras Solo para víctimas de la moda, sin mencionar los sombreros hechos en aviones, carteras convertidas en corazones y mucho más. Su trabajo era alta costura que también se burlaba de la alta costura, tan autocrítica como auto-celebrante, y sin duda camp. 'No soy un diseñador de moda', Moschino dicho en 1991. 'Soy pintor; un decorador No soy el autor de una nueva era. El humor original de Moschino sigue vivo en el trabajo de Jeremy Scott para la marca, con piezas como un vestido hecho con una etiqueta gigante de OFERTA, otro estampado con lencería trompe l'oeil, un top de bikini hecho con 8 bolas y trajes que parecen cartón pegado. cajas

Una modelo camina por la pasarela en el desfile de modas Primavera 2016 de Marc Jacobs durante la Semana de la Moda de Nueva York en el Teatro Ziegfeld el 17 de septiembre de 2015 en la ciudad de Nueva York; Marc Jacobs Otoño 2003Dimitrios Kambouris/Getty Images para Marc Jacobs; J. Vespa/WireImage

Marc Jacobs

Inspirado en la moda de la calle y las subculturas, Marc Jacobs se ha hecho conocido como un príncipe del estilo lúdico. Al comienzo de su carrera, esto no era algo que se entendiera del todo: su ahora infame pero amada versión del grunge de alta costura para su colección de primavera de 1993 hizo que lo despidieran de Perry Ellis, pero puso su carrera en marcha para el próximo 25 años. Jacobs aportó color y juego a su trabajo como director creativo de Louis Vuitton, colaborando con artistas conocidos por sus colores atrevidos y su trabajo inspirado en el pop como Stephen Sprouse y Takashi Murakami, y por supuesto en los diseños de su propia marca. Al más puro estilo camp, no faltó la ironía ni el drama cuando envió a las modelos a la pasarela con minivestidos inspirados en la década de 1960 ( Marc Jacobs Otoño 2003 ) o uniformes de bandas universitarias deconstruidos ( Marc Jacobs Primavera 2016 ) o corsetería negra de inspiración S&M ( Louis Vuitton Otoño 2011 ). Jacobs continúa desarrollando su estilo para lo extravagante, lo camp y lo travieso en la actualidad, su dedo pícaro siempre en el pulso de los deseos más heterodoxos de la moda.

Una modelo camina por la pasarela durante el desfile de Viktor&Rolf como parte de la Semana de la Moda de París Alta Costura Otoño/Invierno 2015/2016 el 8 de julio de 2015 en París, Francia; Una modelo camina por la pasarela durante el desfile de Alta Costura Otoño/Invierno 2016-2017 de Viktor & Rolf como parte de la Semana de la Moda de París el 6 de julio de 2016 en París, Francia; Una modelo camina por la pasarela durante el desfile Primavera Verano 2019 de Viktor & Rolf como parte de la Semana de la Moda de París el 23 de enero de 2019 en París, Francia.Víctor VIRGILE/Gamma-Rapho vía Getty Images; Imágenes Kristy Sparow/Getty; Imágenes de Victor Boyko/Getty

Víctor y Rolf

Viktor Horsting y Rolf Snoeren han cruzado la línea entre la moda y el arte desde sus inicios, su trabajo en galerías y museos y también en las pasarelas. Conocidos por su alta costura ingeniosa, conceptual, inventiva y ocasionalmente controvertida, como vestidos hechos de cuadros enmarcados ( Otoño 2015 ), suéteres con el logo de Coca-Cola acentuados con capas sobre capas de volantes ( Otoño 2016 ), y vestidos vaporosos estampados con no sequiturs como No Photos Please y Trust Me I'm a Liar ( Primavera 2019 ) — el gusto del dúo por el glamour y la seria dedicación a la fabulosidad los convierten en maestros del campamento. Horsting también ha descrito su trabajo como escapismo, ya que les permite encontrar un mundo alejado de aquel en el que crecieron, que es otra faceta arraigada del campamento. Para nosotros, la moda representa algo más que tela y forma: es un aura, un escape de la realidad, ellos escribió en 2008. Viniendo de los suburbios en un país donde la moda realmente no existe (es decir, Holanda), la moda para nosotros era como un brillante mundo de cuento de hadas hecho realidad. A través de nuestro trabajo, todavía buscamos esa emoción, una y otra vez.

El diseñador Virgil Abloh, Gigi Hadid, Bella Hadid y Karlie Kloss durante la final del desfile Off-White como parte de la Semana de la Moda de París Otoño/Invierno 2019/2020 el 28 de febrero de 2019 en París, Francia.Imágenes de Pascal Le Segretain/Getty

Virgilio Abloh

Conocido como un maestro de campamento moderno, los diseños de Virgil Abloh combinan una multitud de referencias culturales, una reinvención de la estética de la ropa deportiva y la ropa de calle, y una sensibilidad irónica. En particular, su Blanco roto antes del otoño de 2018 El uso inexpresivo de etiquetas en la ropa de la colección, un pequeño vestido negro impreso con las palabras little black dress o una chaqueta de mezclilla impresa con la palabra denim, por ejemplo, es un gran ejemplo de camp. Como director creativo de la moda masculina de Louis Vuitton, Abloh aporta esta misma perspectiva. Su Colección de moda masculina otoño 2019 se inspiró en Michael Jackson, con guiños a los conjuntos de estilo militar del cantante pop, estampados con personajes de el mago , y una pasarela prácticamente sacada del vídeo de Billie Jean. Su trabajo es igualmente crítico como celebratorio, y lucha contra los límites entre la moda, el arte y el consumismo. Hemos visto el final de la moda. Hemos visto el final de 'Buy this total look', él dicho en 2018. Ahora se trata de diseñarse uno mismo, de expresar dónde se encuentra en un espectro de mayor a menor. Y eso es ironía. Y la ironía, por supuesto, es una parte importante del campamento.

One Woman, Many Crowns de Netflix y Diego Montoya en '29Rooms Los Angeles: Turn It Into Art' de Refinery29 el 6 de diciembre de 2017 en Los Ángeles, California.Imágenes de Emma McIntyre/Getty para Refinery29

Diego Montoya

Si bien Diego Montoya se define a sí mismo como diseñador de vestuario y artista visual, y muchos de sus clientes incluyen Carrera de resistencia de RuPaul megaestrellas como Sasha Velour, Jinkx Monsoon, Monét X Change y Aja, el trabajo de Montoya también ha comenzado a aparecer en la alfombra roja: Shangela y Jenifer Lewis lucieron su trabajo en la ceremonia de los Oscar de 2019. Su trabajo se ha inspirado en el kitsch, el exceso y el color de Miami, donde se crió después de mudarse de Lima, Perú, así como en las drag queens y los club kids que conoció mientras crecía. Encontró un nicho de diseño para sí mismo después de mudarse a Nueva York y ver el surgimiento de la escena drag experimental de Brooklyn. Simultáneamente analíticos y glamorosos, los conjuntos conceptuales enjoyados y brillantes de Montoya examinan tanto el ritual como la subcultura. Su trabajo encarna el arte camp y queer, especialmente en el uso de una forma a menudo descartada como frívola, es decir, el vestuario y la moda, para diseccionar ideas más amplias.

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